师恩钊

北派山水艺术中心主任，中国山水画研究院副院长，中国美术家协会会员。

笔墨之乐趣

——兼论新北派山水笔墨观

师恩钊

一 作画的乐趣

作画，原本是一桩乐事。

我作画时，旁边时而开着电视，节目以自然地理居多，常常眼在画上，余光扫着屏幕，遇到好山好景，赶紧用相机或手机拍下来，有时也听听音乐或广播，我以为，画画还是在这样放松愉悦中进行为好。可能有人正色云：艺术创作是一件严肃认真，需要全部身心投入的艰苦工作，一心不可二用，来不得半点游戏。

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其实，我倒觉得作画可分两类：

一类为主题性创作。从立意，构思，构图，到收集素材，严谨创作，的确需要全身心地投入，有一个集中精力艰苦创作的过程，但是也要情绪饱满，保持乐观为宜，假如苦哈哈地开夜车，画得殚精竭虑，身心俱疲，是出不来好作品的。再者，即便是煞费心机地严谨创作，当遇到坎坷纠结时便要奋力突围，在困顿之后迎来了柳暗花明，即如前人所说的“结壳”与“破茧”，也是一桩乐事啊。当一个画家在艺术风格或绘画技巧上有所创新突破时，迎来的更是一种无与伦比的愉悦和精神上的升华。

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另一类，即比较随性的写意中国画。当我们铺开宣纸执笔落墨时，保持饱满的激情和放松的心态，尽情地享受作画之乐趣，这种良好的状态就会在作品中显露出生机和活力。这时的你宛如进入了艺术的花园，在悠扬动听的音乐中翩翩起舞，其乐融融地驰骋在创作的天地中，艺术的激情澎湃而出，绘画的语言出奇制胜，你的作品将会绽放精彩，逸品神品或许由此而诞生。

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二 历来的笔墨观

如果说作画是一个快乐的过程，那么“笔墨”也是一种乐趣。在中国画的写意领域，“笔墨”是一个既传统又时髦的话题。画家们都在声称自己如何注重传统笔墨，又都在探索自己的笔墨语言。可是，“笔墨”究竟是什么？笔墨为何从古至今为画家津津乐道？它的内涵和外延怎样界定？在一幅写意中国画作品中，“笔墨”怎样算有，怎样算无？如何为好，如何为差？却没有一个统一的标准，只能是仁者见仁，智者见智了。

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由于“笔墨”没有一个定式，于是便有了大相径庭的笔墨观。

有观点以古人古画为笔墨的最高境界，认为传统的高度是难以逾越的，我们只要原汁原味地模仿就够了，应当对传统的笔墨顶礼膜拜。

其实，我们浏览传统的中国画，就山水画而言，各个朝代的山水画传世作品，虽然各个时期皆有不同流派，但总体面貌的差异并不大。

先人们以极高的智慧开创了以墨色的点线面造型的山水画样式，形成了有别于其他任何画种的对自然风光的描绘方式，笔墨做为辨识度很高的特色标识，使中国绘画以其独特的面貌而立于世界艺术之林，这是古人对于中华民族文化的特殊贡献。

然而，思维定式限制了人们的想象力，传统的样式化成为中国绘画的标准模式，临摹古人成为历代研习丹青的唯一方式，以致于千百年来的绘画样式总是窠臼于芥子园画谱一类的规范之内。就笔墨而言，传统的山水画是以勾线皴擦点染的笔法为主，至于墨法，也是“浓淡干湿焦”溶于笔法之中，虽然在画论中，有“泼墨，破墨，积墨”之说，可在我们所见的传统的山水画中，用墨虽然有浓淡干湿的变化，但仅限于积墨和渲染，尚未见有泼墨破墨及其他的墨色洇晕变化。

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想来大约是用纸的缘故吧，但似乎也不尽然。宣纸自唐代已有之，但是否有我们今天所用的生宣纸呢？这好像是个迷。查资料古来亦有生宣，但为什么鲜见有水墨的更多变化呢？

我想原因可能有二，一是古代的宣纸大概以熟宣为主，生宣即便有，洇化的效果亦较差。二是人们的惯性思维，认为山水画就应当这个模样，于是一种程式化、样式化的山水画流传至今。自古以来，各朝各代山水流派很多，题材和风格上是有一些变化，但给人的总体感觉相差并不大，除却专家，一般人恐怕认不出哪朝那代。即便是提倡“搜尽奇峰打草稿”和“笔墨当随时代”的革新派石涛，其作品也是在线、点加渲染的范畴之内。但传统山水画中透出的那一种儒雅之气，却给我们带来了幽幽的思古之情。

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由于历史上形成的思维定式，“笔墨”的墨，千百年来似乎没有在宣纸上得到更多的发挥，用笔和用墨并没有得到同步的发展。

由于对“笔墨”的不同认知，形成画家们画风的差异。有强调传统追求古意的；有强化点子的力度而满纸墨点的；有短线加点反复组合叠加的；有专用焦墨以线为主加以皴擦的；有大片泼墨泼彩而少用线条的。我则以为追求丰富多变才是对“笔墨“二字的顶礼膜拜。

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三 新北派，新笔墨

我们所推崇的北派山水的宗师荆浩，对于“笔墨”说过这样一段话“吴道子画山水有笔而无墨，项容有墨而无笔，吾当采二子之所长，成一家之体。”荆浩是提倡用墨的，主张用墨“高低晕淡，品物浅深，文采自然，似非因笔。”意为墨色的浓淡干湿，洇晕变化要自然生动，不一定非要依用笔的线条来渲染，由此推断，也应当有游离于线条之外的用墨的存在，即泼墨和破墨也是合理可行的。只可惜存世的荆浩作品没有争议的仅有《匡庐图》一幅，看此画中也只有依线的皴擦点染而没有更多变化。但荆浩为“水晕墨章”的水墨山水留下的理念财富，却给我们带来了充分的想象和创作的空间。

多年来，我始终在摸索一条继承和重振北派山水的路，致力于创建新北派山水的探索。我心目中的“新北派山水”，应当是在传统的“北方山水画派”的回归自然描绘大山大水的理念和风格的基础上，领悟前人塑造山川的经典样式，认真研习传统的笔墨技巧，然后融入中西绘画及各种当代艺术元素，形成有别于历代山水画的样式，具有时代感的风格多样的新北派山水画。

而其中对“笔墨”的探索和创新是一个绕不开的话题。

“笔墨”是传统绘画为我们留下的宝贵财富，今天，在现代语境的北派山水画创作中，在优质的宣纸上，进行笔墨的探索与试验，我们可以寻找更多样式的用笔用墨的变化，“变化”就是艺术的生命。

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各种艺术门类都是相通的。比如音乐艺术的灵魂是旋律，优美动听的音乐旋律，要由许多基本要素构成，如调式、节奏、节拍、力度、速度、音色等等有机地结合而成，按音高、时值、和音量组合成和谐的优美动听的各种曲调，各种元素的不同组合，就形成了中外音乐艺术的多彩乐园。 我们在欣赏音乐的时候，都喜欢富于变化的美好旋律，而“12、12、12”这样单调枯燥的声音是难以入耳的。音乐之美和绘画之美是相通的，绘画语言的贫乏单一同样会带来视觉上的疲惫。

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中国画两千年的传统，可以说是封建社会的经典产物，属于优秀的历史文化。但当今时代不同了，我们的祖国发生了跨越千年的巨大变化，现代社会的科技发展日新月异，属于意识形态的艺术也要随着经济基础而变化，今天，中国画更要“笔墨当随时代”。

“穷则变，变则通，通则久”这是我们古代唯物主义哲理。如今，在传统笔墨的基础上，在现代绘画语境的探索中，变化才是根本。我在教学中，一直在反复念着“变字经”，即一个字“变”，两个字“变化”，三个字“求变化”。

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中国画如果继续沿袭千百年的样式是行不通的，出路在于变革创新，也就是一个字“变”。

绘画中的变，包括理论观念，绘画面貌，题材构思，构图样式，，笔墨技法等等，都应当有所“变化”。

当作画之时，要时刻想着怎样去变。与古人的不同，与当代其他画家的不同，与过去的自我不同，这幅画与那副画的不同，画面中这一部分和那一部分的不同，每块山石的造型结构大小形状的不同，每个部位的用笔用墨浓淡干湿的不同，等等，这就是我们作画时要留意并主动去追求的“求变化”。

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新北派山水的求变之一是在传统的基础上融入一些西画的元素，比如素描，体积，结构，色彩，光影，构成，黑白对比等等，可把传统山水画的平光结构改为侧光或半侧光，加强山石的明暗体积效果。但并不是用水墨来画西画，看起来应是笔墨精到的中国画，加一些西画元素来增强视觉冲击力。

以这样求新求变的心态来作画，用笔用墨活泛灵动，千姿百态，作画并不是牵强刻板地完成任务，也不是流水线般的做工程序，而是一种动手动脑的游戏，个中的种种乐趣，自是画家本人的身心体味。

先说一说用笔。在一幅中国画中，线条可长可短，可粗可细，用墨可浓可淡，可干可湿，速度可快可慢，力度可钢可柔，可以长笔拖锋，也可提按顿挫。无论怎样用笔，在勾线时，都要有屏气凝神之状态，力透纸背之气度。关键是线要有力量，有韵味，有神采。在写意山水画中，如果没有一系列挺得住有力度墨线，则画面会显得软软塌塌，柔弱无骨，毫无神采。

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我在画中，常用长线，缘于推崇北派山水。画北方石质大山，缺失有力的长线条，则会坚硬挺拔不足。但万物造化纷杂多变，用笔也不宜单一，山间沟壑草木土石，可用点、按、厾、斫、揉、擦，抹等多种笔法笔触，再与墨色的变化结合在一起，画中就有了刚健有力的筋骨。

用墨，更是变化多端趣味盎然。古人云“墨分五色，浓淡干湿焦。”“墨有三法，泼墨，破墨，积墨。” 用水墨作画，一种黑色，分出浓淡，即可表现多彩的大千世界，真是中华民族一大发明。 其实墨色的变化何止五色，十色，百色？墨与水的碰撞，再加上生宣纸的配合，真可谓幻化无穷。

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泼墨破墨，在古画中是很难找到范例，只有自己去摸索。泼墨可以真的用水和墨泼向宣纸，求其天然变化，也可以用大笔横向扫出，笔中可用活墨，从笔尖到笔根含有墨和水的变化，也可以平涂后再用浓墨或淡墨去破，呈现出水和墨在宣纸上碰撞洇化出的天然美感和韵味。

我画山水，以北方山水的石山为主，往往将墨泼在山的下部，感觉为下方暗处的树丛草坡，中上部多为山石结构，形成上明下暗的一定的光感效果。当然有时也将墨用在山的中上部，以表现山上的植被或阴影。亦或泼墨与勾线穿插组合，墨和线既呈对比又相互融合。

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作画初始，先泼墨或先勾线都是可行的。若是严谨的创作，对造型十分在意，可以先以墨线勾出造型，然后皴擦点染按部就班进行，使用泼墨也可以放在后面。而一般的写意山水画，可从泼墨开笔，然后随着泼墨的形态生发开来，这样根据每次泼墨位置和形状的不同，构图与山势亦可随之演变，以避免雷同化的构图。这种作画方式，即“手中之竹，非胸中之竹，胸中之竹，亦非眼中之竹”，也符合“一生二，二生三，三生万物”的哲理，这也是在“求变化”。兴之所致，随机生发，挥洒自如放笔直抒胸中丘壑，这种感觉上的舒畅惬意自由发挥，更是一番抒写的乐趣。

画家笔下的“胸中丘壑”，不必拘泥于具体某山某景，画是画家根据自然编造出来的。山的形状和组合都是由画家设计的，树的位置和姿态也是由画家编排的，自然中任何一处的美，都不如把美集中组合起来更美，这就是“画”，荆浩曰“画者，画也”，也就是介于“似与不似之间”的“源于自然而高于自然”。

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四 精雕细琢的笔墨

作品初步成形之后便进入了深入加工阶段，这要花费大量的时间和精力，要慢下来考虑许许多多的问题，这是一个艰苦的作画过程，有时候也会很纠结，但是苦中有乐，在笔墨的游戏之中，可以享受到快意与满足。

写意山水画，并不意味着毫无拘束地任意挥洒，有的时候也需要细心地描绘。我常对学生说，山水写意的洒脱往往是着意做出来的，而不是随意地一挥而就。作画时要权衡要设计，要安排笔墨的变化，哪些地方刻意地留着泼洒的自然状态，哪些地方要反复积墨精细加工，在画面上要形成粗与细，松与紧，写实与写意的对比变化。

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在具体的落笔落墨中，山石树草水天云岚的位置，形状，大小，姿态，走向；山石结构，线面组合，浓淡干湿，墨色构成等等都要注意避免雷同。作画时眼观六路，心想八方，画这里，看那里，从局部，观整体，处处有变化，多样而统一。一幅山水画的视觉冲击力很重要，我们追求北派山水的气势，要整体要协调，但也要有局部笔墨细腻丰富的各种变化，这样，才能令人“远观其势，近看其质”，具有可观可赏可游可居的效果。

一个画家的创作，既要有形象思维也要有逻辑思维，随着作画的深入进行，会遇到许许多多的细节需要去思索和调整。一幅半成品，既可以这样进行也可以那样加工，笔会时，几位画家合作一幅画，往往是某个画家一上手，就和原开笔作者大相径庭，每个画家都有自己的眼光和思路，所以合作的画往往需要各种风格的迁就和融合。

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每个画家眼光和思维的不同，就形成了不同的绘画风格。一个画家的逻辑思维能力和审美眼光的高低，决定了他的绘画成就 。在绘画的教学中，往往局限于技能技法的传授，而思维方式和眼界的高低，只能引导启发而难以灌输，更多的是依赖学生自己的悟性和学养的提高。

在绘画的过程中，开笔、深入及加工完善阶段，需要用笔墨去处理无数的问题，这是一个系统工程，工程质量的好坏，则取决于画家眼光的高低。

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比如墨色的设计安排，重墨淡墨要有一个大体的设想，但边画会随时生发改变。某一处是要加墨，加在什么位置，加到什么程度，恰到好处的加墨并不是为了加黑，而是为了提亮，墨色的透明，是对比衬托出来的。一些淡墨和空白处，是抹掉还是特意留着透气，这要看整体效果，在保留活跃和花不花之间做出选择。有些地方是加强细节刻画还是模糊掉，这也要看整体与局部的关系。没有粗就没有细，没有黑就没有亮，没有虚就没有实，有言道：“实实虚虚，虚虚实实”，乃是一切绘画的通理。

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关于着色，依我现在的眼光，山水画还是以墨色主宰为上，纯水墨即很高雅，或以单色或同类色与水墨形成对比，色彩也可以更丰富些，但要注意“色不碍墨”，有时在用墨处涂色搞不好反而变成一种脏，当然特意的泼彩另当别论。水墨的无穷色阶本身是一种雅，鲜亮或柔和的颜色与浓淡墨色的对比也是一种雅，颜色和墨色的恰当配合才能显出美好的画面。

淡墨在山水画中的地位十分重要，山石草木，云雾水天，亮处虚处空灵处，若无淡墨则显火气和枯燥，也难以表现体积和韵味。淡墨在于用水，墨与水的碰撞即显各种墨色，常常笔中有墨直接沾水而成淡墨，笔中有水挑上点墨也成淡墨，淡墨并不限于湿墨，用干笔擦出飞白也显出一种淡墨。

画云，在我的画中，往往被看作一种标识。其实我是把云当作一种自然物质来画，它有生命，有气势，有体积，有形状，有姿态。画云在古画中一般采用留白方式，我是刻意把云以西画的方式用水墨画出来，着意强调体积及动感，以各种形态和变化使其成为画面元素的一部分。我觉得，塑造北派山水的雄强气象，是少不了用云来烘托和造势的。

山水画中，水是不可少的。传统的山水画中，水基本上是留白。今天我们何妨吸收些西画和摄影，水也可以是蓝的，也可以是黑的，可以画波纹，也可以画条纹，还可以表现一定的光感和倒影。我在水中常常加些白天鹅，因此往往把水画成深色。

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五 笔墨写生之刍议

采风写生，是山水画家的必修课，我也在大山大水中游历过数十载。如今，写生之风日盛，采风团遍布各地，这是回归自然师造化的好事，但关于写生的方式方法，我却有些个人的看法。

当下的中国画写生，几乎千篇一律。画具设备是越来越先进，宣纸卡纸画板画架墨水颜料一应俱全，还有很舒适的野外座椅。一坐数小时，用的是焦点透视，画的是油画构图，完全是西画式的写生，只是改为用水墨来画。写生的样式也大体雷同，往往是一山一树一房屋，搞专题写生画展可以，做为初学者开始体验一下也行，但作为山水画家的创作素材却并不合适。

其实莫不如拿个速写本，边走边画，练习用线条来概括自然景物，面对大自然激发灵感，也可以边记录边构图，既收集很好的创作素材，同时也是一种创作的构图练习。还有一种方法，即在采风的时候用相机或手机大量拍照收集资料，回去根据照片结合速写来进行创作。我觉得以上两种，都是既省时又高效的采风写生方式。当然若时间充足也不妨铺开宣纸即兴挥毫，环顾左右而自由取舍，运用古人的散点透视来进行创作性写生。

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其实画家们早有在参考照片进行创作，尤其是人物画家运用得更多。现代化科技的发展为今天的山水画家带来了宏观的视野，摄影、电视、网络等多种媒体，为我们提供了全世界大自然的美妙，得天独厚的当代画家们的创作就不该仅限于眼中之竹了。参考照片来作画，这好像是个讳莫如深的话题，“画照片”似乎会引人侧目，但我觉得如何运用图片资料，并将其转化为笔墨语言，这是个应当研究和探讨的课题，因为当代的画家毕竟要把自己的画刻上时代的烙印。

从另一个角度讲，我们还是应当研究一下传统的采风方式。古人云：“搜遍奇峰打草稿”。何为搜遍奇峰？一是要广游名山大川，二是在一座山中，步移形随，一步一景，每座山峰都要上下左右多种角度去观察。古人画山水，尤其北派山水更是全景式构图，散点透视，从山脚到山顶，绝非一个视点所能及。都在说继承传统，古人是如何来师造化的，很值得我们好好研究和借鉴。

一个是继承传统，一个是变革创新，在我们的采风写生中如何加以体现，值得山水画家们深思和探讨。

做为山水画家，深入自然师从造化，这是艺术生涯的重要组成部分。如何“搜妙创真”，从造化中汲取灵感，将自然风光提炼转化为笔墨语言，这是值得每位画家去思索去实践的重要课题。我们既要吸收前人的经验，也不要人云亦云地随大流。到美好的大自然中去摸索去实践，寻找自己的采风写生创作的最佳方式，这也是一项既有意义又有乐趣的工作啊！

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六 笔墨之乐趣

传统北派山水的经典论著“笔法记”的精髓是“搜妙创真”，我们创建新北派山水也要继承这一核心思想。师造化，从自然中汲取大量营养，消化吸收，重新组合，用更加丰富多变的笔墨，创作出契合时代的崭新面貌的山水画作品。

新北派山水画的理念基于以下几点。一是继承五代北宋时期“北方山水画派”的传统画风，以气势雄强大山大水为主体风貌。二是回归自然注重造化，为新时期的祖国河山传神写照。三是将自然风光转化为胸中丘壑，源于自然而高于自然，提高艺术水平和学术品位。四是“求新求变”，从传统的山水画中走出来，吸收当代各种艺术元素，形成新的理念，新的构图，新的笔墨。

笔墨上的新探索，追求一个“变”字，这不但为我们的作品注入了生气，而且活跃我们的创作过程，克服单调乏味，使作画成为一件充满趣味的工作。

中国绘画的笔墨，给画家们带来了有形的和无形的乐趣。